Американский киноактер, кинорежиссер Клинтон (Клинт) Иствуд (Eastwood, Clint) родился 31 мая 1930 г. в Сан-Франциско (США) в семье рабочего. Иствуд получил образование в Оклендской технической школе, после окончания которой собирался поступать в университет на музыкальное отделение, но был призван в армию.

В 1950-1953 гг. Клинт Иствуд в качестве рядового ВС США принимал участие в войне с Северной Кореей. После возвращения из армии он поступил на экономическое отделение Лос-Анджелеского университета. В свободное от занятий время Иствуд участвовал в постановках самодеятельных коллективов, посещал актёрские курсы, ходил на пробы и в спортзал.

В 1955 г. он подписал семилетний контракт с кинокомпанией Universal, по которому должен был сниматься во всех предлагаемых студией ролях. Первые картины с участием Клинта Иствуда прошли незаметно: “Месть чудовища” (1955), “Френсис служит во флоте” (1955), “Никогда не прощайся” (1956) и др.

Его дебют в 1956 г. на телевидении (небольшие роли в нескольких сериалах) также не был замечен. В перерывах между съемками, университетскими лекциями и курсами актёрского мастерства Иствуд подрабатывал разнорабочим.

Через полтора года контракт со студией Universal, был расторгнут.

В 1959 г. Клинта Иствуда пригласили на одну из главных ролей в сериал “Роуди” (Rawhide), который выходил с 1959 по 1966 год, благодаря которому Иствуд получил известность. Настоящий же успех пришел к актеру в 1964 г. после работы в вестерне итальянского режиссера Серджио Леоне “За пригоршню долларов”. Этого же героя Иствуд сыграл еще в двух фильмах Леоне “На несколько долларов больше” (1965) и “Хороший, плохой, злой” (1966).

В 1968 г. Иствуд снялся в фильме режиссера Дона Сигела “Блеф Кугана”, с которого началось плодотворное сотрудничество актёра и режиссера. В результате их совместной работы появилась целая серия фильмов о полицейском Гарри Каллахэне, прозванном за жестокость и принципиальность “Грязным Гарри”. В 1971 г. на экранах появляется фильм с одноимённым названием.

В том же году состоялся режиссерский дебют Иствуда, он снял триллер “Сыграй мне “Туманно”.

В 1974 г. Иствуд снялся в режиссёрском дебюте Майкла Чимино “Громила и Попрыгунчик”. В конце 70-х актер вновь снимается у Дона Сигела. Вершиной их творческого союза многие критики считают “Побег из Алькатраса” (1979).

К концу 1970-х гг. Клинт Иствуд становится одним из самых популярных актеров США. Он снимался в фильмах других режиссеров и продолжал снимать фильмы сам.

В 1980-х гг. Иствуд занимается режиссурой: “Огненный лис” (1981), “Внезапная смерть” (1983), “Всадник на коне бледном” (1985); в 1986 г. он снимает военную драму “Гряда, где разбиваются сердца”. Лучшим фильмом Иствуда – режиссера кинокритики считают “Птицу” (1988), за который Иствуд был удостоен премии “Золотой Глобус” в номинации “За лучшую режиссуру”; фильм был также удостоен премии “Оскар” за лучший звук.

В 1990 г. он закончил работу сразу над двумя режиссерскими проектами “Новичок” и “Белый охотник, черное сердце”. В 1992 г. Клинт Иствуд снял один из лучших вестернов десятилетия – “Непрощенный”, получивший заслуженное признание и четыре премии “Оскар” (две статуэтки – за лучший фильм и лучшую режиссуру достались Клинту Иствуду).

Год спустя Иствуд снялся в фильме “На линии огня” и поставил драму “Совершенный мир” (1993). После трех неудачных фильмов “Абсолютная власть” (1997), “Полночь в саду Добра и Зла” (1997), “Настоящее преступление” (1999) в Голливуде заговорили о том, что лучшие времена Иствуда уже позади.

Однако уже в 2000 г. своей новой работой “Космические ковбои”, ставшей коммерческим хитом, Иствуд доказал, что его преждевременно отправляли на пенсию. В 2004 г. он получил свой второй режиссерский “Оскар”, за фильм “Малышка на миллион долларов”.

За последние годы режиссер представил на суд зрителей три картины “Флаги наших отцов” (2006), “Письма с Иводзимы” (2006), “Подкидыш” (2008), в 2009 году вышел его новый фильм “Человеческий фактор”.

Иствуд трижды становился лауреатом американской кинопремии “Золотой глобус”. В 2003 г. он получил приз “Golden coach” Каннского кинофестиваля за фильм “Таинственная река” (Mystic River) а в 2008 г. был награжден специальным призом фестиваля за фильм “Подмена”. В 2000 г. Иствуд получил почетную премию “Золотой лев” Венецианского кинофестиваля и дважды был лауреатом французской кинопремии “Сезар” в 2004 и 2006 гг. В 2009 г. получил Золотую пальмовую ветвь Каннского кинофестиваля за вклад в развитие кинематографа.

Клинт Иствуд – вполне удачливый бизнесмен, и купленная им в 1968 г. кинокомпания “Малпасо продакшнс” удачно работает.

Иствуд – бессменный член Национального совета искусств, член совета директоров Монтерейского джазового фестиваля, имеет музыкальную докторскую степень Беркли.

В 1986 г. он был избран мэром курортного городка Кармел (население – 4 тысячи человек).

Иствуд прекрасно играет на пианино (в молодости он зарабатывал на жизнь, играя в барах), поет и сочиняет. Его песня Why Should I Care есть в альбоме Дайаны Кролл. На его счету десяток синглов, один долгоиграющий и совместная запись с Рэем Чарльзом.

Увлекается гольфом, владеет гольф-клубом.

Клинт Иствуд был женат дважды, но у него есть несколько внебрачных детей. Первой его женой была фотомодель Мэгги Джонсон. Они были вместе с 1953 по 1978 год и от этого брака у Иствуда двое детей – сын Кайл (1968) и дочь Элисон (1972). Они развелись в 1978 году после того, как стало известно о том, что Иствуд долгое время изменял жене с актрисой Сондрой Локк.

После непродолжительных отношений с актрисой Франсис Фишер, которая родила Иствуду дочь Франческу (1993), актер женился в 1996 году на телеведущей Дине Руиз, свадьбе не помешала разница в возрасте (Иствуду было 66 лет, Дине – 31 год). От этого брака у Иствуда еще одна дочь – Морган (1996).

Кроме того, вне брака у Иствуда родились еще трое детей: дочь Кимбер (1964) от актрисы Роксаны Тунис, сын Скотт (1986) и дочь Кэтрин (1988) от стюардессы Жаклин Ривз.

Нора Эфрон (Nora Ephron) родилась 19 мая 1941 года в Нью-Йорке (США). Нора была старшей из четырех дочерей в семье сценаристов Генри и Фиби Эфрон. Когда ей было четыре года, семья переехала в Беверли Хиллз, Калифорния.

В 1958 году Эфрон окончила среднюю школу Беверли Хиллз (Beverly Hills High School) в Калифорнии, в 1962 году – колледж Уэлсли (Wellesley College) в штате Массачусетс.

Учась в колледже, Нора увлеклась журналистикой и начала писать статьи для школьной газеты.

Летом 1961 года Эфрон работала в качестве стажера в Белом доме при президенте Джоне Ф. Кеннеди.

После окончания колледжа Нора переехала в Нью-Йорк и начала сотрудничать с журналом Newsweek, в котором проработала около года. Затем стала писать юмористические эссе для таких изданий, как New York, журналов Esquire и The New York Times Magazine.

В качестве автора сценария Эфрон дебютировала в телевизионном сериале Adam`s Rib (1973).

Настоящий успех пришел к Норе Эфрон в 1983 году. За сценарий к биографической драме Майка Николса “Силквуд” (Silkwood) она была впервые номинирована на “Оскар”. С тех пор еще дважды выдвигалась на “Оскар” – в 1990 году за сценарий к мелодраматической комедии Роба Рейнера “Когда Гарри встретил Салли” (1989) и в 1994 году за сценарий к своей собственной киноленте “Неспящие в Сиэтле” (1993) с Томом Хэнксом в главной роли.

В качестве режиссера она дебютировала в 1992 году картиной “Это моя жизнь”, в которой, как и в абсолютном большинстве своих режиссерских работ, выступила не только в качестве сценариста, но и в качестве продюсера.

С 1993 года Нора создала всего несколько картин, среди которых “Совершенно чокнутый” (1994), “Майкл” (1996), “Вам письмо” (1998), “Cчастливые номера” (2000), “Колдунья” (2005). Последней ее работой стала картина “Джули и Джулия”, вышедшая в 2009 году.

26 июня 2012 года Нора Эфрон скончалась в больнице Нью-Йорка от лейкемии.

Нора Эфрон была замужем три раза. Её первый брак с писателем Дэном Гринбергом (Dan Greenburg) закончился разводом в 1976 году. Второй брак, который распался в 1980 году, был с журналистом Карлом Бернштейном (Carl Bernstein).

С 1987 года она жила с третьим мужем – писателем и сценаристом Николасом Пиледжи (Nicholas Pileggi).

У Норы двое сыновей от брака с Карлом Бернштейном – Джейкоб (Jacob Bernstein) и Макс (Max Bernstein).

Альфред Хичкок родился в Лондоне в семье бакалейщика. Его родители были истовыми католиками, и Хичкок получил образование в иезуитском колледже св. Игнатия.

Однажды в детстве за мелкий проступок отец отвел его в местный полицейский участок и попросил там на несколько часов запереть мальчика в камере. Впоследствии Хичкок всю жизнь боялся полицейских и никогда не водил из-за этого машину; во многих его фильмах делается ставка на подсознательный страх перед несправедливым обвинением и преследованием.

После окончания колледжа Альфред Хичкок поступил в Инженерно-штурманскую школу, где изучал механику, акустику и навигацию. С 1915 года он работал в телеграфной компании, одновременно изучая живопись в Лондонском университете; вскоре его перевели на должность художника в рекламный отдел компании. Примерно в это же время Хичкок заинтересовался кинематографом.

В 1920 году ему удалось устроиться дизайнером титров в лондонский филиал одной из голливудских компаний (будущей студии “Paramount”). Он вскоре возглавил отдел титров, а в 1923 году у него появилась возможность попробовать себя в режиссуре, однако лента “Номер 13″ (“Number 13/Mrs. Peabody”) осталась незаконченной из-за закрытия студии.

Альфред Хичкок перешел работать к продюсеру Майклу Бэлкону, одному из родоначальников английского кинематографа. Перепробовав профессии сценариста, художника кино и ассистента режиссера, он наконец снял свой дебютный фильм, совместную англо-немецкую постановку “Сад наслаждений” (“The Pleasure Garden”, 1925).

На предварительном студийном просмотре Бэлкон заметил, что по своим блестящим техническим качествам картина напоминает скорее американский, чем европейский фильм. Судя по всему, Хичкок стремился к этому сознательно, и уже после первых нескольких работ был признан одним из ведущих мастеров английского кино.

Начиная с фильма “Человек, который слишком много знал” (“The Man Who Knew Too Much”, 1934), Хичкок больше почти никогда не отходил от жанра триллера. Он стремился развлекать, управляя с экрана эмоциями и чувствами зрителей, тонко рассчитывая каждую сцену для достижения максимального эффекта.

Картина “39 ступенек” (“The 39 Steps”, 1935) до сих пор остается эталоном комедийного триллера, хотя Хичкок принес в жертву захватывающему сюжету правдоподобие, логику и связность повествования, но фильм только выиграл от этого.

Альфреда Хичкока принято считать апологетом фильмов ужасов, но в его творчестве был только один фильм, полностью соответствующий такому названию – “Психоз” (“Psycho”, 1960), который был снят на небольшой бюджет, с использованием телевизионной техники, так как крупные студии отказались от столь жесткого материала.

Фильм сделал Хичкока миллионером, и в дальнейшем он продюcировал свои картины самостоятельно. “Птицы” (“The Birds”, 1963) по рассказу Дафны Дю Морье предвосхитили популярную в 70-е годы тему столкновения человека с враждебными и необъяснимыми силами природы.

Кубрик Стэнли, 1928 – 1999, американский кинорежиссер

Этого режиссера по праву считают самым влиятельным кинематографистом 2 й половины XX в. Знакомые называли его сумасшедшим чудаком и говорили: «С ним невозможно работать!» В то же время его считали гением. Журнал «Панч» писал: «Стэнли не был ни сумасшедшим, ни безумным. Он был одним из умнейших людей в истории».

На свет он появился 26 июля 1928 г. в Нью Йорке, в семье западноукраинских евреев. Родители предоставили ему полную свободу – он делал только то, что хотел: гулял, играл в шахматы, занимался музыкой и фотографией (отец подарил ему камеру Graflex).

В школе Стэнли не блистал успехами, баллов для поступления в вуз недобрал, поэтому начал работать. Некоторое время играл в шахматы на деньги. А в день похорон президента Рузвельта принялся фиксировать на камеру все проявления «американского горя». Затем отправил лучшие кадры в журнал Look. Редакторам работы Кубрика так понравились, что его взяли внештатным фотокорреспондентом.

Свою миссию Стэнли видел в раскрытии неведомой, почти всегда жуткой, реальности. Однажды он попросил приятеля разыграть сцену флирта с девушкой в темном кинозале, а сам снимал каждый этап «романа» на инфракрасную пленку. В какой то момент девушка заметила «шпиона», завязалась потасовка. На следующий день «фоторепортаж» Кубрика появился на страницах Look.

Несколько лет молодой репортер путешествовал с камерой по миру. Тогда же решил заняться самообразованием. «Я ничему не научился в школе и не прочитал ни одной книги, пока мне не исполнилось 19 лет», – признавался он впоследствии.

По возвращении домой Стэнли стал вольным слушателем Колумбийского университета и «прописался» в Музее современного искусства. А на досуге пропадал в кинозалах. Особенно ему нравились картины М. Офюльса, которые впоследствии сильно повлияли на его режиссерский стиль.

Начать снимать короткометражки Кубрика убедил его друг Алекс Сингер, продававший документальные картины кинокомпании March of Time.

В 1951 г. Стенли Кубрик снял документальную ленту «День схватки» и удачно продал ее компании RKO Pictures – March of Time к тому времени уже обанкротилась. Вдохновленный успехом, он уволился из журнала и начал работать над вторым фильмом – «Летающий падре». Затем последовало еще несколько короткометражек, после чего Стэнли начал работу над своим первым полнометражным фильмом – «Страх и вожделение».

В 1956 г. вышел в свет его криминальный пессимистичный фильм нуар «Убийство» по роману Л. Уайта, и голливудские боссы, оценив ленту, доверили Кубрику постановку антивоенной драмы «Тропы славы» с К. Дугласом в главной роли. В итоге скандальная киноистория о том, как в годы Первой мировой войны военачальники самодуры погубили французских пехотинцев, была запрещена во Франции, Бельгии, Германии, Испании, а во многих городах прошли акции протеста ветеранов.

С той поры каждый фильм Кубрика вызывал если не скандал, то бурю эмоций.

Акцентируя внимание на том, что замалчивание проблемы не есть ее решение, режиссер затрагивал «неудобные» темы. Жестокость и получение удовольствия от насилия – в «Заводном апельсине»; педофилию – в «Лолите»; грань между человеком и животным, угрозы технического прогресса – в «Космической одиссее 2001»; внутренние демоны, разрушающие человека, – в «Сиянии».

В каждой работе Кубрик пытался вывернуть наизнанку человеческую душу и вытащить наружу ее «врожденную» испорченность. За это его осуждали критики, церковники, даже авторы литературных произведений, которые он экранизировал. Так, С. Кинг, автор «Сияния», сказал об экранизации: «Фильм изумительно красив, но это чисто внешнее… Кубрик слишком много думает и ничего не чувствует».

В 1959 г. Дуглас пригласил Кубрика снимать исторический фильм «Спартак», где сам выступал и как продюсер, и как исполнитель главной роли. Картина побила все рекорды по сборам в прокате и удостоилась четырех «Оскаров», один из которых достался Дугласу. Но… сразу после съемок тот так отозвался о Кубрике: «Это настоящий садист. Ни во что не ставит актеров! За год выжал из меня все соки».

На самом же деле Стэнли был перфекционистом. Оттого вел себя на съемочной площадке крайне деспотично: делал сотни дублей каждой сцены и доводил актеров до белого каления – чтобы «естественнее» вели себя в кадре. Он также запрещал переводить свои фильмы на другие языки, требуя показывать их только с субтитрами; а лучше – вообще без них. Иногда он полностью переписывал сценарий (в частности «Спартака»). А еще он первым из режиссеров стал использовать не абстрактные саундтреки, а современную, неоклассическую и классическую музыку, которую подбирал очень тщательно: в соответствии с характером каждого эпизода.

Снимая «Широко раскрытые глаза», Кубрик специально накручивал актеров – супружескую пару Т. Круза и Н. Кидман – чтобы в кадре они не играли, а по настоящему ссорились, ревновали и т. д. В результате звездная пара развелась, а Круз вдобавок нажил себе язву желудка и депрессию. Масла в огонь подлили и статьи с заголовками типа «Кубрик потребовал от Круза сделать пластику ягодиц», «Кидман и Крузу пришлось обратиться за помощью к сексологу во время съемки постельной сцены» и пр. А один из критиков вообще заявил: Стэнли затеял фильм с целью развалить идеальный голливудский брак.

Добиваясь «нужного» результата на съемках «Апельсина», Кубрик не раз подвергал опасности здоровье и жизнь исполнителя главной роли, М. Макдауэлла, из за чего тот сломал ребра, повредил глаз и чуть не захлебнулся. Для «повышения эмоциональности» одного из эпизодов Стэнли подбросил ему змею, а перед началом съемки другого эпизода окатил ледяной водой.

Каждый рабочий день «Сияния» начинался с коллективного просмотра «Головы ластика» Д. Линча. Для съемок Кубрик соорудил три варианта декораций лабиринтов, в которых операторы постоянно терялись. Чтобы камера двигалась максимально плавно, он пользовался новой технологией «Стэдикам». А для «напольных» съемок приспособил камеру, закрепленную не над стабилизирующей платформой, а под ней. Однако в крутых переходах декораций камера постоянно дергалась и выключалась, и Кубрик то и дело хватался за нее в надежде, что в его руках аппарат заработает. Впрочем, после нескольких безуспешных попыток он предложил использовать операторское колесное кресло, созданное еще для «Апельсина» – и дело пошло (хотя однажды от перегрузок кресло все таки дало сбой – лопнули шины).

Позже Г. Браун, конструктор «Стэдикама» и главный оператор «Сияния», вспоминал: «К вечеру первого дня работы я понял, что это особенная игра и что слова “разумный” в лексиконе Кубрика нет».

Неуправляемость Кубрика стала причиной недовольства кинобоссов.

В 1960 х режиссеру пришлось уехать в Лондон, где он и жил до самой смерти.

Скончался Кубрик в 1999 г. от сердечного приступа, оставив после себя множество нереализованных проектов. Например, он мечтал снять грандиозную эпопею о жизни Наполеона (в библиотеке старинного замка, где жил Стэнли, осталось 18 тыс. книг о великом полководце). А еще у него была идея создать фильм о человечном роботе. Он завещал это дело своему другу – С. Спилбергу, который в 2001 году снял ленту «Искусственный разум».

Уолт Дисней, 1901 – 1966, американский режиссер

Патриарх современной мультипликации и основатель крупнейшей анимационной студии, Уолт Дисней появился на свет 5 декабря 1901 г. в Чикаго.

Когда мальчику исполнилось пять, семья переехала в другой штат и поселилась на ферме. Отец, предприниматель неудачник, заставлял пятерых своих отпрысков трудиться, а за промахи бил. Уолту приходилось вставать до рассвета и разносить газеты, а потом бежать в школу.

Позже он стал помогать отцу на производстве желе: заколачивал ящики, мыл банки, мешал фруктовое пюре, а вместо отдыха ухаживал за домашними животными.

Отец не поддерживал увлечение сына рисованием: не покупал ему ни карандашей, ни бумаги. Однако Уолт расписывал все доступные поверхности с помощью палки, вымазанной в смоле, или мела. Однажды он нарисовал на сарае соседа лошадь и, к своему удивлению, получил 25 центов. Узнав об этом, отец смягчился и позволил Уолту посещать местный Институт искусств.

После возвращения в Чикаго он поступил в Академию искусств. А когда началась Первая мировая война, прибавил себе лет и попытался попасть в армию. В морскую пехоту его не взяли, зато отправили во Францию в качестве водителя Красного Креста. Верный себе, Дисней разрисовал фургон смешными картинками и… получил похвалу за хороший камуфляж. Воодушевленный, он принялся изображать на мундирах сослуживцев боевые ордена и продавать новые немецкие каски, предварительно «состаривая» их.

Вернувшись с войны, Уолт устроился в рекламную компанию, где познакомился с художником Юбом Айверксом. В 1920 г. они вместе попали в студию, которая готовила кинорекламу – смесь стоп кадров, рисунков, вырезок и фотографий, снятых на пленку. Увлекшись мультипликацией, друзья арендовали гараж, купили подержанное оборудование и открыли студию Laugh O Gram.

То, что они делали, Уолт называл смехограммами – это были минутные комические ролики на разные темы: от коррупции до состояния городских улиц. Поупражнявшись, Дисней попробовал «оживлять» сказки: «Золушку», «Красную Шапочку», «Кота в сапогах», «Алису в Стране Чудес». Однако дело оказалось слишком затратным – спасаясь от кредиторов, друзья уехали из города и отправились в Голливуд.

И тут Диснею взбрело в голову стать актером. Но… «Единственной работой, которую мне предложили, была роль статиста. Я должен был проехать несколько метров на лошади. Однако из за дождя съемки перенесли на другой день. А затем нашу сцену вырезали. Это был конец моей актерской карьеры».

После он снял гараж у своего дяди и предложил крупнейшему на то время дистрибьютору выпустить новую серию мультиков об Алисе. Дистрибьютор купил шесть готовых эпизодов, и Уолт на радостях вызвал в Лос Анджелес брата Роя. Зарегистрировав студию Disney Brothers, братья сняли за родительские деньги помещение, приобрели старую кинокамеру и наняли двух сотрудников, одним из которых стал Айверкс. Уолт генерировал идеи, Рой отвечал за финансы, Юб рисовал.

В 1924 г. состоялась премьера «Алисы на море».

Несмотря на успех, десять лет компания была на грани банкротства, и сохранить ее позволило лишь упорство Диснея. В трудную минуту Уолта поддерживала жена Лилиан, которая поначалу работала его секретаршей, а затем стала раскрашивать персонажей.

В один из сложных периодов, вспоминая свой первый, полный мышей гараж, Уолт сделал эскиз мышонка в самолете (поскольку на слуху тогда был перелет Ч. Линдберга через Атлантику) – и выпустил немой мультик «Безумный аэроплан». Затем появилась звуковая анимация «Пароходик Вилли», повествующая о приключениях того же мышонка Микки. Фильм обошелся студии дорого, но Дисней не унывал. «Выясните мнение специалистов и сделайте наоборот», – говорил он.

Его замыслы редко встречали одобрение. Соединить живых актеров и рисованных героев? Ерунда! Полуторачасовой мультфильм – кто его выдержит? Уолт не слушал. В 1934 м, принимаясь за создание полного метра «Белоснежка и семь гномов», он знал, что рискует. Фильм, правда, чуть не разорил компанию (Уолт взял кредит в полтора миллиона баксов), зато принес Диснею премию «Оскар».

Через четыре года Уолт по просьбе дочерей попытался купить права на экранизацию книги «Мэри Поппинс» П. Трэверс, но писательница отказала. На уговоры Дисней потратил 23 года, и в 1964 м «Мэри» все таки вышла на экраны. А спор Трэверс и Диснея лег в основу ленты «Спасти мистера Бэнкса».

Постепенно киностудия Диснея стала одной из самых влиятельных в Америке. 1940–1950 е были золотым веком мультипликации. На экраны вышли «Пиноккио», «Фантазия», «Дамбо», «Бэмби», «Золушка», «Питер Пэн», «Спящая красавица».

Разумеется, успех Уолту обеспечивали собственные творческие секреты и нововведения. К примеру, он придумал «стратегию трех комнат». В одной – яркой, увешанной рисунками и вдохновляющими цитатами – генерировались идеи. В другой комнате, где стояли оснащенные техникой столы, воплощалось задуманное. В третьей, маленькой и полупустой, оценивался готовый продукт. Для поощрения сотрудников Дисней выплачивал премии каждому, кто высказывал интересную идею или придумывал удачную шутку.

Уолт был перфекционистом. Чтобы воспитать квалифицированных художников, он открыл собственную школу. В отделе спецэффектов с помощью замедления скоростной съемки изучалось, как разбивается стекло, как в бурлящей воде образуются пузыри, как на воду падают капли. Задний фон изображался красками на стекле и комбинировался с другими, отдельно нарисованными фонами, что создавало объемность.

Черно-белые наброски (скетчи) персонажей готовились после записи всех диалогов. Для каждого мультфильма требовалось около 50 тыс. таких эскизов. Одни аниматоры создавали только основные, опорные кадры, а другие заполняли промежуточные поля. Поначалу каждый рисунок представлял однократный момент движения, и, чтобы уловить его, художники изображали натурщика, застывшего в определенной позе. Но Дисней решил – такая система искажает реальность. И заставил моделей двигаться непрерывно, а художникам предложил просто наблюдать. К зарисовкам они приступали уже после того, как натурщики удалялись.

Ради реалистичного изображения животных Дисней устроил в студии маленький зоопарк. Вдобавок он регулярно посылал своих художников на натуру – в леса и прерии. К слову, двухминутную сцену бури в «Русалочке» 10 аниматоров прорисовывали в течение года.

Добившись успеха в мультипликации, Дисней взялся за осуществление еще одной безумной мечты – создание парка аттракционов. Ради этого ему пришлось продать права на показ своих фильмов телеканалу АВС, который боролся с Голливудом за зрительскую аудиторию. Так телевидение превратилось в средство развлечения, а Дисней построил два гигантских парка.

В июле 1955 го близ Лос Анджелеса на 70 гектарах золотой (по стоимости) земли открылся «Диснейленд». А следом, в штате Флорида, появился «Диснейворлд», по площади не уступающий Парижу.

15 декабря 1966 г. мультипликатор рекордсмен, получивший 26 «Оскаров», ушел из жизни. Он обожал счастливые финалы, благодаря чему создал себе имидж нравственно чистого человека. Курильщик, любитель спиртного и не особо верный муж, он навеки вошел в «святую американскую троицу»: Материнство, Яблочный пирог, Дисней.